Творчество П.И. Чайковского - основоположника 14 часть

Додекафония и сериальность подготовили путь, ведущий к музыкальному абстракционизму, представители которого, решив расширить звуковую палитру музыкального искусства, стали использовать в своих сочинениях звуки окружающие человека в быту: горящий примус, пишущая машинка, капли, падающие в пустой таз, отбойный молоток, скрежетание железа по стеклу и т.п. Эти композиции сочиняются в студиях звукозаписи на магнитофонных пленках и соединяются в различных комбинациях.

Произведения, основанные на использовании бытовых шумов, получили название - конкретной музыки. Нотами такая “музыка” не записывается.


* * *

Антиподом экспрессионизма в XX веке можно считать возникший чуть позже в западноевропейской музыке неоклассицизм. Его представители противопоставляли экзальтированному экспрессионизму ясность и логичность замысла, сдержанность в формах выражения. Свой идеал неоклассицисты видели в гармоническом равновесии всех элементов целого, свойственном классическому искусству ХVIII века. Отсюда происходит и название.

Однако изменившиеся социально-экономические условия жизни европейского общества в период между двумя мировыми войнами не позволяли художнику обрести былую гармонию жизни и творчества и в то же время остаться художником-реалистом, не порывающим, как “нововенцы”, связи с реальным миром.

К представителям этого направления относят композиторов И. Стравинского (1882-1971), П. Хиндемита (1895-1963), отчасти С. Прокофьева и М. Равеля.

Юность русского композитора Стравинского прошла в полном соответствии со стандартной формулой: родился в благополучной семье, был снаряжен на факультет права, затем увлекся музыкой до такой степени, что бросил юриспруденцию и стал композитором. Стравинский – ученик И.А. Римского-Корсакова.

Мировую известность Стравинский завоевал своей балетной музыкой. Знаменитый русский продюссер Сергей Дягилев, основавший Русские сезоны в Париже заказал Стравинскому музыку к балету по мотивам сказки о Жар-птице. Партитура Стравинского стала вехой в истории музыки. До премьеры в Париже никто из публики не слышал таких сложных ритмов и настолько странных поразительных диссонирующих гармоний. Балет стал хитом сезона. Карьера Стравинского в Париже была обеспечена.

Следующим балетом был “Петрушка”. Музыка балета была еще более диссонантной. Хореографом этих балетов был Фокин.

В 1913 году 31-летний Стравинский сочинил еще один шедевр - балет “Весна священная”. Подзаголовок к этому балету объяснял все: “Сцены из жизни языческой Руси”. Стравинский писал: “В моем воображении я представил торжественный языческий ритуал; мудрых стариков, которые сидят в кругу и наблюдают за юной девушкой, двигающейся в своем предсмертном танце. Они приносят ее в жертву, чтобы умиротворить Бога Весны. Постановку балета осуществил Вацлав Нижинский.



Премьера балета вылилась в грандиозный скандал. Сам Стравинский незаметно покинул театр через окно гардеробной. Год спустя музыка балета в концертном исполнении вызвала неимоверный восторг у публики.

После Октябрьской революции Стравинский покинул Россию и окончательно обосновался в США.

В поздний период своего творчества Стравинский много экспериментировал, сочиняя музыку в разных стилях, включая и неоклассический. Музыка этого стиля была возвратом к равновесию и сдержанности классики, за исключением различных диссонансов. Тем не менее Стравинский до конца своей жизни на создал ничего более значительного в музыкальном отношении, чем балет “Весна священная”.

Скончался композитор в Нью-Йорке в 1971 году.

Подробности жизни и творчества композитора нашли свое отражение в его автобиографических книгах “Хроника моей музыкальной жизни” и “Диалоги. воспоминания”, изданные в русском переводе.

Неоклассицисты - сторонники “чистого” музыкального искусства, лишенного открытой эмоциональности. Они считали, что музыка - лишь искусство звуков, и только, а не искусство интонационного выражения эмоций, какими бы они ни были. Они полагали, что музыкальное произведение можно “вычислить”, “скомпоновать”, но не выстрадать. Именно поэтому они искали образцы для подражания в доромантической эпохе.

Новые “классики” сочиняли свои произведения в старинном стиле, заимствуя старые приемы композиции и даже отдельные музыкальные темы прошлого. Так, например, балет И. Стравинского “Пульчинелла” сочинен на темы Дж. Пёрголези, балет “Поцелуй феи” - на темы П. Чайковского. Разумеется, это не плагиат и даже не “ремиксы”. Рука нового мастера узнаваема в каждом такте партитуры. Обращение к художественному наследию прошлого продиктовано, в первую очередь, стремлением не потерять почву под ногами, заземлить собственный метод на художественно полноценную проверенную временем основу. Сочинения композиторов прошлого были для них не столько образцами для подражания, сколько “моделями”.



Для современников творчество неоклассицистов было своего рода противоядием от крайностей экспрессионизма.

Новые классики, как правило, были людьми, весьма деловыми и благополучными в жизни, не желающими обнажать свое сердце и душу перед “всеми”, осознающими дистанцию между собою и публикой. Они хотели быть музыкальными богами, гражданами мира. Они комфортно жили, модно одевались. Их вовсе не интересовали душевные терзания плебеев. Музыка неоклассицистов сочинялась для художественной элиты. По мнению авторов, новое искусство должно быть свободно от личных эмоций, от стремления заражать публику чувством. Новая музыка должна стать предметом чисто интеллектуального созерцания. Некоторые исследователи назвали эту тенденцию “бегством от человеческой личности”.

В искусствознании второй половины XX века утвердился термин авангардизм. К авангардизму стали причислять различные течения современного искусства, отличительной чертой которых является разрыв с традициями искусства прошлого, поиск новых выразительных средств и форм, превращающийся порой в самоцель.

Контрольные вопросы по теме

“Музыка ХХ века. Индивидуализация композиторских стилей”

1. Что такое полистилистика?

2. Какое музыкальное направление наследовало романтизму?

3. Что дало название новому художественному стилю?

4. Как изменилась тематика музыкального искусства у Дебюсси?

5. Чем были заменены прежние мелодические темы у импрессионистов?

6. К чему сводилось музыкальное развитие в произведениях импрессионистов?

7. Назовите самые известные произведения К. Дебюсси.

8. Какой характер носит программность в музыкальных произведениях Дебюсси?

9. Кто поставил балет “Послеполуденный отдых Фавна”?

10. У кого из русских композиторов XX века ярче всего проявились черты импрессионизма?

11. Назовите самое известное произведение М. Равеля. Для кого оно было написано и что представляет собой по форме?

12. Какое художественное течение сформировалось в Германии в начале XX века?

13. Как называлась музыкальная техника композиторов нового стиля?

14. Кто был представителем нового стиля в музыке, в литературе?

15. Проследите развитие сюжета в опере “Воццек”.

16. Что отличает неоклассицизм от всех прочих музыкальных течений XX века?

Глава 9

Джаз в контексте мировой музыкальной культуры

“Сегодня он играет джаз,

А завтра Родину продаст”.

“Современный буржуазный джаз рассчитан на вкусы посетителей кабаков и притонов, он рождает атмосферу распущенности и эротики”.

М. Горький назвал джаз “музыкой толстых”.

Из фольклора советских времен

Своим происхождением джаз обязан народной песенной культуре африканских негров. Черных рабов привозили в Америку с ХVI по XIX век. Полное бесправие рабов сделало музыку единственным доступным средством для их самовыражения. Негры обладают от природы развитым музыкальным инстинктом, особым чувством ритма, своеобразным тембром голоса и манерой произношения.

Одним из источников джаза является спиричуэл. Привезенных в Америку негров насильно обращали в христианство. Вместе с религиозными обрядами негритянская община приобщалась и к европейской музыке через протестантские многоголосные хоралы. Негры пели эти мелодии по-своему. В результате этой адаптации протестантские хоралы превратиись в спиричуэлс - негритянские религиозные песни. Тексты этих духовных песен связаны с библейскими образами, которые трактовались весьма упрощенно, сочетаясь с повествованием о собственной повседневной жизни. Исполняют спиричуэлс хором без сопровождения, со сложной системой подголосков. Основной напев в процессе исполнения многократно варьируется. Спиричуэлс - это коллективная импровизация на хорошо знакомую всем участникам песенную тему. После отмены рабства (1865 г.) появляются первые печатные сборники негритянских духовных песен.

Вторым источником джаза стал блюз (в переводе с английского - грустное настроение). Блюз - сольная лирическая песня американских негров, обычно выражающая тоску по утраченному счастью. Блюзы отличаются синкопированным ритмом, особым образом пониженными ступенями лада (так называемые “блюзовые ноты”) и импровизационной манерой исполнения.

Текст блюзового куплета чаще всего бывает трехстрочным (каждая строчка занимает 4 такта музыки):

О боже, как тяжело мне, О боже, как тяжело мне - Ушел тот, кого считала своим. Пришел я к цыганке, хотел судьбу узнать. Пришел я к цыганке, хотел судьбу узнать. - Черт побери, сказала: тебе не везет.

Количество куплетов в блюзе зависело от вдохновения певца и внимания публики.

Блюзовая мелодия состоит из трех музыкальных фраз по четыре такта каждая. Первая фраза строится на тоническом аккорде, вторая - на сочетании аккордов IV и I ступени, третья - на сочетании V и I ступени. Часто блюз исполнялся в сопровождении банджо - струнного щипкового инструмента. Певец пел блюз для самого себя, без публики, на собственные слова, чтобы облегчить свою душу.

Постепенно блюз из песенной формы с текстом превращается в чисто инструментальную. В таком виде он был воспринят белыми музыкантами и стал поистине международной формой общения джазовых музыкантов. Ни одно совместное выступление джазовых музыкантов не обходится без коллективной импровизации на блюзовую тему. Наиболее известными мелодиями блюзов являются “Мемфис-блюз” и “Сент-Луи-блюз”, сочиненные в 20-е годы композитором Уильямом Хенди. Известнейшей исполнительницей вокальных блюзов была негритянская певица Бесси Смит.

Большую роль в становлении джаза сыграли регтаймы и марши. Регтайм в переводе означает “рваное время”, “рваный ритм”. Именно с регтаймов началась история рояля в джазовой музыке. Одним из самых известных сочинителей и исполнителей регтаймов был техасский пианист Скотт Джоплин. Его музыка звучала обычно в небольших ресторанчиках, где пианист был единственным музыкантом, развлекавшим посетителей.

На улицах больших городов звучала духовая музыка. Небольшие летучие духовые оркестрики выполняли роль зазывал, играли на вечеринках, пикниках, сопровождали покойников в последний путь. После погребения на обратном пути тот же оркестр, как правило, играл веселую развлекательную музыку, собирая вокруг себя толпы зевак.

Негры почти полностью преобразили традиционные маршевые мелодии, акцентируя вторую и четвертую доли такта. Эта пульсация с акцентированием слабых долей называется в джазе свингом.

В джазовые оркестры входили барабаны, контрабас, на котором играли не смычком, а щипком; труба, гитара или банджо, кларнет. Позднее к ним присоединилось фортепиано. Джазовый пианист играл гармоническую основу для импровизаций. Эти оркестрики назывались “джаз-бенд”. Коллективная импровизация его участников лишь непосвященным покажется музыкой “кто во что горазд”. На самом деле все музыканты отлично знают исполняемую ими тему, ее гармоническое и ритмическое строение. В совместном исполнении каждый из участников играет свой вариант темы, сообразуясь с техническими возможностями своего инструмента. В результате возникает несколько мелодических линий, расположенных на разных регистровых “этажах” общего звучания и одновременно варьирующих одну тему.

Мелодию обычно вел трубач, кларнетист сверху украшал ее различными музыкальными узорами, тромбонист играл линию баса, а гитарист с ударником составляли примитивную “ритм-секцию” ансамбля. Негритянские музыканты не знали нот. Они играли и сочиняли по слуху, что еще больше тренировало их природную музыкальную память.

Постепенно мелодии и ритмы негритянской музыки соединились с музыкальными инструментами и способами композиции белых людей. Так возник джаз.

* * *

Родиной джаза стал американский город Нью-Орлеан. Стиль нью-орлеанского джаза называют “горячим джазом”, очень темпераментным и импровизационным. Именно в этом стиле прославился Луи Армстронг (прозвище “Сатчмо”) - первая звезда джазовой музыки. Этот великий джазмен родился в 1900 году в Новом Орлеане, работал продавцом газет, угольщиком, шофером, пока не получил известность как музыкант.

Армстронг создал своеобразный экспрессивный стиль игры на трубе и неповторимо индивидуальную манеру джазового пения. Его хриплый, типично негритянский голос небольшого диапазона, по силе интонационной выразительности не знал себе равных. Исполняя мелодию голосом, Армстронг любил импровизировать, жонглировать словами, смещать ударения в словах, вставлять собственные словечки-комментарии, обращенные к залу. Эта манера оказала решающее влияние почти на всех джазовых вокалистов, как мужчин, так и женщин. Многие пытались подражать его тембру и необыкновенному вибрато.

Армстронг выступал преимущественно перед цветной публикой. Белые слушатели знали его лишь по записям. Однако позже, после триумфальных двухлетних гастролей по Европе в 1932-34 годах, белая публика тоже стала стремиться увидеть и услышать этого необыкновенного музыканта.


По окончании первой мировой войны джаз распространился не только по всей территории США, но и в Европе. Джаз стал моден и коммерчески выгоден. Белые музыканты стали собираться в оркестры и играть в джазовой манере. Но эта попытка подражания неграм была неудачной. Из джаза ушел его нерв, импульс, манера; остались лишь инструменты и музыкальные темы. Такой подслащенный вялый джаз играли в Америке многочисленные танцевальные оркестры, работавшие в мюзик-холлах и дансингах. Их администрация запрещала оркестрантам всякую импровизацию, потому что это сбивало танцующих с такта.

Кризис и безработица 30-х годов привели к ликвидации многочисленных джазовых оркестров и сделали заметной фигуру пианиста-одиночки. Такие джазовые пианисты, обладавшие хорошей фортепианной техникой, стремились изобразить на рояле все элементы оркестрового звучания. Наиболее известными пианистами джаза стали Дюк Эллингтон и Каунт Бэйси.

В период кризиса оставшиеся джаз-оркестры отошли от блюза и вынуждены были играть модные песенки.

Огромное значение для развития джаза как искусства сыграло появление грамзаписи. Лишь фонограмма, а не ноты, могла в точности зафиксировать все нюансы исполнения джазовой музыки. Регулярно джаз стали записывать с 1923 года. Иногда для записи собирали на время специальные “студийные” оркестры. Они записывали фонограммы необходимого качества, после чего музыканты расходились по своим родным коллективам.

В 30-е годы центром джазовой музыки становится Чикаго. В Чикаго и Нью-Йорке стали появляться большие джазовые оркестры, в которых совместно играли и белые и черные музыканты. Эти оркестры назывались биг бендами. Музыканты в них играли по нотам. На первый план выдвинулась новая фигура в джазе - аранжировщик. От него в значительной мере зависел коммерческий успех коллектива. Чаще всего аранжировщиком джазовой музыки был руководитель оркестра. Он же был и его дирижером.

Оркестр Д. Эллигтона был первым, во главе которого стоял не солист-виртуоз, а дирижер и композитор. Иногда исполнительскую манеру Эллингтона называют импрессионистической, сравнивая его творчество с творчеством Мориса Равеля. Особенно запоминаются джазовые сочинения Эллингтона в медленном темпе, довольно редком в джазе. Сам Эллингтон - автор многочисленных оригинальных джазовых тем, признанных музыкантами всего мира. Одной из них является знаменитая джазовая тема “Караван”.

С 1936 года положение джазовых музыкантов начало несколько улучшаться. Помог случай и реклама. Рекламный агент Бенни Гудмена назвал его “королем свинга”. Широкая публика тогда еще не знала этого словечка и подумала, что он изобрел новую форму джаза под названием “свинг”. Коммерческий успех оркестра Бенни Гудмана (16 человек) породил на большие джаз-оркестры моду, которая сохранялась в Америке и Европе с 1935 по 1945 годы. Этот период получил в истории джаза название “период свинга”. Именно в этот период труба отошла на второй план, а главным солирующим инструментом оркестра стал тенор-саксофон. Королем этого инструмента был Коулмен Хоккинс.

В эпоху свинга джаз проникает на экраны звукового кино и мюзик-холлы Бродвея. Одним из самых известных кинофильмов с джазовой музыкой является фильм “Девушка моей мечты”. Музыку к нему написал известный джазовый композитор Г. Уоррен.

В это же время в биг бендах появились струнные смычковые инструменты: скрипки, альты, виолончели, арфы. Такие оркестры стали называть симфоджазоркестрами. Изменился и характер репертуара в таких коллективах: место “горячих”, танцевальных тем заняли лирические, медленные темы. С одним из таких оркестров выступала знаменитая джазовая вокалистка Билли Холидей.

В 40-е годы в джазе появляется электрогитара.

Приход в коллективы музыкантов с академическим образованием внес много нового. В исполнительской манере появилось больше отточенности и виртуозности, но ушла непосредственность и импровизационность.

Усилиями Эллингтона, Каунта Бэйси, Диззи Гелеспи джаз из музыки для танцев превратился в музыку для слушателя. Этот стиль американского джаза 40-х годов получил название “би-боп”. Эти два слога не означают ничего, кроме звукоподражания ударным инструментам. Зачинателями этого стиля считают трубача Диззи Гелеспи, саксофонистов Чарли Паркера и Коулмена Хоккинса. В джазовых композициях необычайно усложнилась гармоническая основа, появились очень сложные аккорды, о которых и понятия не имели родоначальники джаза. Однако в силу своей чрезвычайной изощренности би-боп так и не завоевал широкую аудиторию.

В послевоенные годы получили большое распространение оркестры из белой молодежи, которые по записям пытались воспроизвести нью-орлеанский подлинно джазовый стиль. Но в результате получалось лишь слабое подражание, которое у негров получило название “диксиленд”. (Буквально этот слово переводится как “земля Дикси” - так негры называют Южные штаты США).

Диксиленд появился как реакция на умствования би-бопа. Массовой аудитории нужна была простая, радостная и понятная музыка. Диксиленды пришлись как нельзя кстати. Их ярмарочное, немного балаганное звучание выдавалось за былую жизнерадостность и непринужденность нью-орлеанского джаза.

В 40-е годы “первой леди джаза” становится американская негритянская певица Элла Фицджеральд (1918-1983). Она выступала с самыми выдающимися джазовыми музыкантами Л. Армстронгом, К. Бэйси, Д. Эллингтоном, записала более 50 пластинок. Певица обладала красивым голосом большого диапазона, даром импровизации и очень острым чувством ритма. Часто Элла Фицджеральд пела в джазовой манере “скэт”. Этим словом обозначается способ импровизационного пения, при котором вместо слов текста повторяются несколько свободно выбранных слогов, имитирующих звучание того или иного джазового инструмента. Исполнительская манера певицы отличается техническим совершенством.

Со временем джазовые темы усложнились и коллективная импровизация сменилась индивидуальной. При такой сольной импровизации остальные участники ансамбля лишь поддерживали гармоническую и ритмическую основу темы, оставляя полный простор для индивидуального творчества солиста-импровизатора. Неизменными при таких “индивидуальных импровизациях” остаются количество тактов в самой теме и основные аккорды ее сопровождения. Эта схема построения темы в джазе называется хорус.

Обычная джазовая композиция строится следующим образом. Все начинается с коллективного изложения темы, затем кто-то из солистов выполняет несколько “квадратов” своей импровизации, после чего его сменяет другой импровизатор и так далее. Последним импровизирует обычно ударник, после чего весь джаз-бенд еще раз проводит тему в основном виде. Такова стандартная схема построения огромного большинства джазовых композиций.

Как правило, сборные джазовые концерты заканчиваются коллективной импровизацией музыкантов, порой даже незнакомых до этого момента. Эти спонтанные импровизации называются “джем-сэшн”. Название происходит от английских слов “джем” - удовольствие, наслаждение и “сэшн” - собрание, то есть встреча джазменов, желающих получить удовольствие от совместной игры.

Еще с 30-х годов джем-сэшн стал своеобразной формой дружеского соревнования музыкантов между собой. На таких джазовых “семинарах” музыканты учились друг у друга искусству импровизации, обменивались новыми выразительными приемами. Традиция джем-сэшн сохранилась до сегодняшнего дня. К сожалению, знатоки джаза отмечают, что современными профессиональными джазистами движет не столько желание сказать что-то новое, сколько желание быть новыми во что бы то ни стало, быть всегда конкурентоспособными. Впрочем, это общая тенденция всей популярной музыки нашего времени.

В 50-х годах XX века в противоположность нервному, “горячему” би-бопу возник уравновешенный, спокойный стиль кул (“прохладный”). Появились и другие, региональные стили, различавшиеся темами, характером свинга, общим настроением (драйвом).

В конце 60-х годов Майлс Дейвис первым из джазовых музыкантов обратился к ритмам рок-музыки и стал использовать электронные клавишные инструменты. Так возникло новое направление - джаз-рок. Характерной чертой этого стиля стало сочетание электронных инструментов с очень развитой группой медных духовых инструментов, исполнители на которых играли в импровизационной манере. Наиболее яркими и популярными представителями этого стиля стали американские ансамбли “Чикаго” и “Кровь, пот и слезы”. Пик популярности джаз-рока на Западе пришелся на семидесятые годы XX века. Джаз оказал огромное влияние на музыкальную культуру. Под его воздействием сложились ритм-энд-блюз и рок-музыка.


Своеобразное развитие джаз получил во многих странах, в том числе и в России.

Появление джаза в Европе в конце 1910-х годов сразу же привлекло внимание передовых композиторов. Отдельные элементы музыкального языка джаза использовали в своих произведениях К. Дебюсси, И. Стравинский, Д. Мийо, М. Равель и другие. В США слияние джаза с музыкой европейской традиции произошло в творчестве Дж. Гершвина.

В советской России знакомство с джазом состоялось в 20-е годы. Он привлекал слушателей и зрителей своей новизной и экзотикой. Это породило многочисленные попытки подражания. Появляются первые джаз-оркестры. Наиболее известным коллективом был оркестр под управлением пианиста и композитора А. Цфасмана, автора знаменитой эстрадной песни, написанной в джазовой манере, “Неудачное свидание”.

В 1929 году создается джаз-оркестр Леонида Утесова. Его программа называлась “Теаджаз”, то есть театрализованный джаз. Исполнение многих композиций и песен превращалось в этом коллективе в забавное инсценированное представление. Несмотря на заимствованную манеру исполнения, оркестр Утесова не порывал с характерными чертами советской эстрады. Оркестр Утесова и сам его руководитель имели огромный успех. Они снялись в первой звуковой советской музыкальной комедии “Веселые ребята”. Музыку к нему написал И. Дунаевский. Этого знаменитого советского композитора привлекали в джазе, прежде всего, яркие и броские краски, помогающие выразить веселость, молодость, задор, столь свойственные эпохе 30-х годов в СССР, строившем социализм. После этого кинофильма стиль “песенного джаза” Дунаевского был официально признан как “наш советский джаз”.

Джазовая музыка давно уже миновала пик своего развития. Полагаю, что вторая волна этого стиля вряд ли возможна. Известно, что стиль в искусстве, раз возникнув, не живет более пятидесяти лет. Потом наступает неизбежный кризис, упадок или перерождение. В этом естественном процессе старения роль ускорителя сыграла американская коммерция. Джазовая музыка была поставлена ею на поток, на конвейер. Она распространялась по всему миру как символ американского образа жизни.


Контрольные вопросы по теме

“Джаз в контексте мировой музыкальной культуры”

1. Что явилось источником джаза?

2. Что такое блюз? Как строится его композиция?

3. Как называется метро-ритмическая пульсация в джазовой музыке?

4. Что такое банджо, рэгтайм, диксиленд?

5. Какие инструменты входили в традиционный джаз-бенд? Чем отличается от них более поздний биг-бенд?

6. Как называется самый известный американский кинофильм с джазовой музыкой? Кто автор его музыки?

7. По какой схеме строится большинство джазовых композиций?

8. Что такое “джем-сэшн”?

4. Когда джаз появился в России? Назовите наиболее известные джазовые коллективы.

9. Что означает выражение “наш советский джаз”?

10. Символом чего стал джаз для остальных стран мира?

Джордж Гершвин (1898-1937)

Самый известный американский композитор первой половины XX века - Джордж Гершвин. Именно ему удалось соединить, казалось бы, несоединимые музыкальные явления - европейский музыкальный романтизм, американский джаз и эстраду. Его творчество уникально.

Семья будущего композитора в 1890 году эмигрировала в Америку из России. В Бруклине, в бедном районе Нью-Йорка, в 1896 году родился Джордж.

Систематического музыкального образования он не получил. Гершвину было 15 лет, когда он стал продавцом в нотном магазине. Продавали ноты популярных в то время песенок. Продавец обязан был их играть, петь, словом, рекламировать.


Среди гор музыкальной макулатуры будущему композитору попадались настоящие шедевры песенного жанра, принадлежавшие перу Ирвина Берлина, Стивена Фостера и Джерома Керна, автора неувядающей песни “Дым”. Опыт накапливался с каждым днем.

Первая песня Гершвина прозвучала с эстрады, когда автору было 17 лет. Первый шлягер Гершвин сочинил через год. Песня “В нем что-то есть” регулярно переиздавалась в течение 10 лет.

До середины 20-х годов творчество Гершвина было связано с эстрадной песней и мюзиклом. Он “омузыкаливал” разного рода ревю, комедии, обозрения, словом, все то, что ставилось на Бродвее.

В Америке джаз был моден. Интонации и ритмы негритянских песен, их гармонические обороты, оригинальные способы вариационного развития постепенно просачиваются и в сочинения авторов “белой” развлекательной музыки. Появлялись большие оркестры, называющиеся “симфоджазовыми”. Наряду с традиционными инструментами симфонического оркестра они включали в свой состав группу инструментов, называющуюся ритм-секцией, а также полный набор различных саксофонов. Взаимодействие такой ритм-секции с другими инструментами можно уподобить вышиванию по канве: партии в ритм-секции - канва, а партии остальных инструментов - вышиваемый мелодический рисунок.

Дж. Гершвину было всего 25 лет, когда знаменитый американский дирижер Пол Уайтмен предложил ему написать что-нибудь для программы концертов под названием “Эксперимент в современной музыке”. Гершвин исполнил просьбу дирижера и написал “Рапсодию в блюзовых тонах” для фортепьяно и симфонического оркестра. Так родился первый шедевр Гершвина, сочетающий в себе черты джаза и классической музыки. Синкопированный ритм и джазовая импровизационность органически сочетаются в ней со строгими правилами сонатной формы. Этой “Рапсодией” Гершвин сумел разрушить предубеждение, не позволявшее джазу попасть на серьезную концертную эстраду.

На премьере партию солирующего рояля исполнял автор. Успех “Рапсодии” был феноменален. Среди ее первых исполнителей были такие классики русской музыки как С. Рахманинов и И. Стравинский. “Рапсодия” быстро становится известной всему заокеанскому старому миру. Гершвин с гастролями едет в Европу, знакомится с Морисом Равелем, которого просит руководить его дальнейшим музыкальным образованием. На это Равель ответил, что ученого учить - только портить, и посоветовал не выходить за рамки развлекательной музыки, где он достиг известных высот.

Результатом пребывания Гершвина во Франции явилась программная симфоническая поэма “Американец в Париже”. В Париже Гершвин встретился с И. Кальманом, автором знаменитой оперетты “Сильва”, и с Ф. Легаром, автором оперетты “Веселая вдова”. Гершвин все более убеждался, что “серьезная” и “легкая” музыка не антагонисты, особенно если к “легкой” музыке подходить по-серьезному.

referatwxp.nugaspb.ru referatxsf.nugaspb.ru referattit.nugaspb.ru say.okref.ru Главная Страница